domesticar la luz

Estos días puede verse en la fundación ICO la exposición «Un zodiaco» que ofrece un recorrido a través de la obra de uno de esos maestros discretos (y entiéndase aquí la discreción como un valor positivo ante tanta figura mediática) que acaba de recibir el Premio Nacional de Arquitectura Española. Juan Navarro Baldeweg es un hombre multidisciplinar que se mueve entre arte y arquitectura salpicando de pinceladas los edificios y de espacios los cuadros. Atención especial me merecen sus líneas quebradas, que dibuja a una distancia en la que parecen querer encontrarse pero que en su desencuentro se despliegan espacios intersticiales apareciendo relaciones sutiles entre el interior y el exterior, multiplicándose las relaciones visuales y generando unos lugares en los que se mira de soslayo. Estos juegos se convierten en los protagonistas de sus proyectos cuando se trasparentan en las fachadas, cuando se esconden en un patio interior o cuando asoman por la quinta fachada. Lejos de un estilo formal son la composición, la geometría y el ritmo los recursos capaces de bosquejar aquellos trazos sueltos o de proponer series ortogonales de lucernarios que buscan la luz fabril en museos, teatros o bibliotecas y que se expresan al exterior con la rotundidad de quien pretende con un detalle ordenar el paisaje. Es en resumen un excelente muestrario de las mil y una formas en que un arquitecto trata de domesticar la luz.

lina

De tanto en tanto, un nombre de pila titula una entrada. Esta vez lo hace el de esta arquitecta italiana que decidió voluntariamente sentirse brasileña y construir un pedazo de su modernidad más reconocible. Ahora una exposición llamada «Lina Bo Bardi. Together» que ya ha recorrido ciudades como Londres o París, y que se detiene estos días en Berlín, analiza la trayectoria, citas, estudios, lecturas y obras de quien afirmó: «La libertad del artista siempre ha sido» individual «, pero la verdadera libertad sólo puede ser colectiva. Una libertad consciente de las responsabilidades sociales, que puede derribar las fronteras de la estética … » Y que dejó entre sus citas auténticos manifiestos, tan rotundos y sensibles como las formas de hormigón visto que luego amueblaba con delicada sencillez funcional.

Para buscar cuidadosamente las bases culturales de un país (sean las que sean: pobres, miserables, populares), cuando son reales, no significa que haya que preservar las formas y los materiales; significa evaluar las posibilidades creativas originales. Materiales modernos y métodos de producción modernos remplazarán los procesos primitivos, preservando no las formas sino la estructura subyacente de esas posibilidades. LBB

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playgrounds

De una exposición a otra, de un juego a otro. En lugares definidos, en espacios intermedios, en zonas de juego o en descampados, marcados con tiza o con mobiliario, urbanos, domésticos, infantiles, adultos, regulados o ilegales, en plazas o azoteas, el juego es una forma de vida, una actividad incapaz de contenerse dentro de un marco establecido, algo que hace que los saltos, carreras y la imaginación se desparramen por la ciudad. Fotógrafos, arquitectos, filósofos, urbanistas… Todos ellos repararon en un momento en esta condición lúdica del espacio, en la propia realidad social que exigía un espacio para el esparcimiento fuera del trabajo, el papel del ocio en la sociedad moderna, el protagonismo del juego como una actividad más de la urbe que merecía la pena retratar, estudiar, planear, repensar  y diseñar, aunque siempre sorprendiera su capacidad para desbordar los límites establecidos. La exposición que estos días se muestra en el Reina Sofía de Madrid se subtitula «reinventar la plaza» pero está visto que el juego desborda todos los territorios y sentidos del término. Si quieres saber más acércate a ver lo que plantearon Constant, Archigram, Aldo van Eyck, Alberto Giacometti, Isamu Noguchi, Man Ray, Guy Debord… Lo que retrataron Francesc Català-Roca, Henri Cartier Bresson, Pier Paolo Pasolini o Roberto Rosellini. Y cómo el espacio público a pasado de ser un lugar de juego a adquirir un papel importante en las manifestaciones políticas recientes llegando a jugar en serio papel dentro de esta sociedad del entretenimiento.

fotografía de Francesc Català-Roca

 

captar la modernidad en foto

Si estás dispuesto a recorrer todo lo que se despliega en la edición de PHotoEspaña 2014 no deberías perderte la exposición, Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1965. En la fundación ICO se presenta la íntima relación que surgió, en el despertar de la arquitectura moderna española, entre dos disciplinas que entendieron su inevitable devenir de la mano. Quizás, porque como decía Walter Benjamin: «Cualquiera podrá observar cuánto más fácil es captar un cuadro, y sobretodo una escultura y hasta una obra arquitectónica en foto que en realidad». Son de hecho algunas fotografías, la única realidad que nos queda que aquellas obras y espacios que de la mano de arquitectos como Josep Lluís Sert, José Manuel Aizpúrua, Alejandro de la Sota, Miguel Fisac, José Antonio Coderch, Francisco Javier Sáenz de Oiza, Javier Carvajal o Fernando Higueras, entre otros; fotografiaron Català-Roca, Pando, Kindel, Paco Gómez, Schommer, Muller, Férriz, Luis Lladó o Margaret Michaelis, entre otros. Arquitectos y fotógrafos, fotografía y arquitectura, exploraron la modernidad tras un objetivo único que se recoge en 250 copias de época o reproducciones modernas, todas ellas en blanco y negro, en las que no sólo se reconoce la maestría con la que los arquitectos españoles adoptaron los principios modernos dentro del ámbito local, sino la genialidad propia de algunos casos singulares e incluso la influencia de aquellas obras monocromas en lo que hoy «renderizamos» en color.

más con apenas nada

Creo haber leído hace poco algo así como, un paso hacia lo simple no siempre es un paso atrás. Volver a estar presente, a pie de obra, involucrado en la comunidad y continuar innovando es el reto que asumen muchos arquitectos que rara vez llegan a las portadas de blogs y revistas y, sólo en ocasiones, alcanzan el reconocimiento y los premios de la crítica. Estos días la exposición en la fundación ICO [The architect is present] organiza una serie de talleres y conferencias para trasladar la labor de cinco de estos arquitectos [Diébédo Francis Kéré] [TYIN Tegnestue Architects] [Anupama Kundoo] [Solano Benítez] [Anna Heringers]. Arquitectos capaces de construir con la escasez y la necesidad, muros y ventanas por los que se cuela la vida y la ilusión de las comunidades que participan de esta arquitectura que, nada tiene que ver con el espectáculo, pero sorprende al conseguir más, mucho más, con apenas nada.

fotografiar el tiempo

Hace tanto tiempo que he guardado esta reflexión en la recámara que la exposición sobre William Christenberry en la Fundación Mapfre ya no está. Puede que esta sea la mejor metáfora para describir una obra a base de instantáneas que se repiten en el tiempo hasta ver desaparecer su objetivo con el paso de aquel. Este paciente estadounidense captura periódicamente desde los años sesenta siluetas prototípicas llenas de texturas desvencijadas que se recortan sobre el paisaje como los carteles publicitarios se estampan en sus paredes de metal o madera. La observación lineal de como estas arquitecturas de colores planos y tectónicas casi obscenas, que obvian cualquier entorno, se ven mutiladas, ocupadas, abandonadas o incluso destruidas en cada retorno estival, constituye una dilatada reflexión sobre lo efímero, la permanencia de un recuerdo, la identidad de un lugar, la simbología de un mensaje, la generación de la forma, la adaptación de un espacio, la mutación de un lugar o esa belleza por el tiempo en el sur de Estados Unidos con la que titula  El Cultural la obra de William Christenberry.

arquitecturas inadaptadas

Uno de esos raros de la vanguardia, apostilla este artículo de El Cultural-ABC. Arquitecto visionario, escenógrafo, pintor, escultor y teórico del arte, Frederick John Kiesler se dedicó a enmarcar otras obras de arte contemporáneas y a ver más allá del los espacios de su presente. Una imaginación privilegiada que le permitió revolucionar la escenografía teatral con elementos mecánicos o modelar proyectos que se han convertido en auténticos clásicos de la arquitectura utópica, como su ‘Endless House’ (+ info vía archdaily–dprbcn–art_being). Estos días, es la Casa Encendida la que recorre los escenarios de su carrera en una exposición que se titula, el escenario explota. La revisión de una de esas arquitecturas inadaptadas recuerda la frase de David Hume (subtitulo del blog misfitsarchitecture) La belleza de las cosas existe en el espíritu de quien las contempla. Y si uno mira atentamente estas construcciones, puede reconocer arquitecturas que hoy, no sólo se han adaptado, si que han logrado triunfar.

Raumbühne_1924 © Österreichische Nationalbibliothek

La ruina como proyecto

Probablemente sea difícil encontrar su nombre, y no digamos su obra, en una revista de arquitectura al uso y, sin embargo, en estos momentos, su postura puede ser un buen ejemplo para demostrar aquello que decía en esta entrevista via cyanmag hablando sobre la crisis: «Va a hacer despertar a los arquitectos para ver que hay muchas otras formas de desarrollar la profesión». Y es que Luís Úrculo no cree en las etiquetas sino en los procesos creativos que, en su caso, desembocan en vídeos, instalaciones, obras de arte y cualquier otra construcción que, sin estar hechas con hormigón, hablan igualmente de espacios. Su ‘ensayo sobre la ruina‘, que puede verse estos días en la Galería Eva Ruiz, recorre los restos físicos de las crisis mundiales, retrata el papel de multinacionales como Ikea y ensalza las virtudes de las ruinas y los deshechos con posibilidades de reciclarse y convertirse en otra cosa. Eso mismo que nuestra disciplina debiera empezar a plantearse.

lápiz y tijeras

Papel, lápices, recortes, tijeras, pegamento e imaginación son algunas de las herramientas de Raul Lázaro, con sus collages y su síndrome de diógenes, y la recién descubierta obra de Sara Landeta, con trabajos difíciles de encapsular en su delicadeza animal o diminuta. Collages, ilustraciones y creaciones varias que se exponen estos días en otro de los puntos que se suman a la guía de Madrid en la sección MAD, la galería 6mas1. Espero llegar a tiempo para disfrutar de esta exposición de lápiz y tijeras.

via lachicadelflequillo

OMA progress

Ese es el título de la exposición que se exhibe en el barbican de Londres sobre oma. Un esfuerzo titánico, ya que a estas alturas las imágenes, bocetos, maquetas y proyectos se cuentan por millones, cuya puesta en escena se ha delegado en rotor. Este colectivo belga ha tenido acceso privilegiado a las oficinas durante 6 meses. Allí han podido recolectar información de todo tipo (incluso de la papelera de reciclaje), visitar las obras en proceso, preguntar a los propios arquitectos e incluso atender a reuniones y workshops internos. El resultado es una exposición imperfecta, atípica, parcial, anacrónica, a salto de mata y casi a la carrera, muy parecido a como el propio Rem Koolhaas, gratamente sorprendido por el resultado, nos presenta esta exposición que merece un viaje a Londres.

via architecturelab & dezeencreen & hic*