«ahorismo»

Así podría traducirse este movimiento, NOWNESS, que también podría considerarse una tendencia social actual. Éste movimiento se basa en la capacidad creativa para contar historias que celebran lo extraordinario del día a día. Es decir, se trata de una plataforma donde cada día se publican vídeos que aunque se clasifican entre arte y diseño, moda y belleza, música, comida y viajes o cultura, todos podrían pertenecer a esta última   teniendo en común guiones y estéticas muy cuidadas. Pásate por la sección de arquitectura o diseño y te harás una idea del potencial de esta «site» que ya cumple cinco años y con el que puedes disfrutar de un café y elegir un tema acorde al humor con el que te encuentres, ahora mismo.

playgrounds

De una exposición a otra, de un juego a otro. En lugares definidos, en espacios intermedios, en zonas de juego o en descampados, marcados con tiza o con mobiliario, urbanos, domésticos, infantiles, adultos, regulados o ilegales, en plazas o azoteas, el juego es una forma de vida, una actividad incapaz de contenerse dentro de un marco establecido, algo que hace que los saltos, carreras y la imaginación se desparramen por la ciudad. Fotógrafos, arquitectos, filósofos, urbanistas… Todos ellos repararon en un momento en esta condición lúdica del espacio, en la propia realidad social que exigía un espacio para el esparcimiento fuera del trabajo, el papel del ocio en la sociedad moderna, el protagonismo del juego como una actividad más de la urbe que merecía la pena retratar, estudiar, planear, repensar  y diseñar, aunque siempre sorprendiera su capacidad para desbordar los límites establecidos. La exposición que estos días se muestra en el Reina Sofía de Madrid se subtitula «reinventar la plaza» pero está visto que el juego desborda todos los territorios y sentidos del término. Si quieres saber más acércate a ver lo que plantearon Constant, Archigram, Aldo van Eyck, Alberto Giacometti, Isamu Noguchi, Man Ray, Guy Debord… Lo que retrataron Francesc Català-Roca, Henri Cartier Bresson, Pier Paolo Pasolini o Roberto Rosellini. Y cómo el espacio público a pasado de ser un lugar de juego a adquirir un papel importante en las manifestaciones políticas recientes llegando a jugar en serio papel dentro de esta sociedad del entretenimiento.

fotografía de Francesc Català-Roca

 

captar la modernidad en foto

Si estás dispuesto a recorrer todo lo que se despliega en la edición de PHotoEspaña 2014 no deberías perderte la exposición, Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1965. En la fundación ICO se presenta la íntima relación que surgió, en el despertar de la arquitectura moderna española, entre dos disciplinas que entendieron su inevitable devenir de la mano. Quizás, porque como decía Walter Benjamin: «Cualquiera podrá observar cuánto más fácil es captar un cuadro, y sobretodo una escultura y hasta una obra arquitectónica en foto que en realidad». Son de hecho algunas fotografías, la única realidad que nos queda que aquellas obras y espacios que de la mano de arquitectos como Josep Lluís Sert, José Manuel Aizpúrua, Alejandro de la Sota, Miguel Fisac, José Antonio Coderch, Francisco Javier Sáenz de Oiza, Javier Carvajal o Fernando Higueras, entre otros; fotografiaron Català-Roca, Pando, Kindel, Paco Gómez, Schommer, Muller, Férriz, Luis Lladó o Margaret Michaelis, entre otros. Arquitectos y fotógrafos, fotografía y arquitectura, exploraron la modernidad tras un objetivo único que se recoge en 250 copias de época o reproducciones modernas, todas ellas en blanco y negro, en las que no sólo se reconoce la maestría con la que los arquitectos españoles adoptaron los principios modernos dentro del ámbito local, sino la genialidad propia de algunos casos singulares e incluso la influencia de aquellas obras monocromas en lo que hoy «renderizamos» en color.

historias que crean historias

No he sido capaz de encontrar una traducción válida para el título de esta web [likeknowslike] y resulta difícil justificar el valor de la vida privada de fotógrafos, ilustradores, diseñadores, emprendedores, bloggers y contadores de historias, entre otros, cuando, a veces, sólo conocemos su obra y con eso basta. Sin embargo, sus vidas son también capaces de despertar ideas, motivaciones, inspiraciones o documentales como los que presenta esta página. Primero caí en el de Brandon Doman y ahora en este de Helena Price, en ambos casos no conocía sus obras pero, siendo esta entrada una humilde prueba, parece claro que sus historias son capaces de crear otras historias.

vía swissmiss

 

collage fotográfico minimal

Puede que el primer concepto asociado a la fotografía o cualquier disciplina tildada de minimalista se asocie a su definición, reducir algo a lo esencial. La atenta visión de estas fotografías revela que no siempre esa reducción consiste en despojar algo de los elementos sobrantes, si no que a menudo es necesario añadir otros que muestren una esencia que, a priori, no existía. Papeles, recortes y texturas son algunos de los aditivos con los que Ina Jang crea ese «otro mundo que empieza en un momento». Un soplo de aire fresco, casi sueco aunque en realidad de origen coreano, que presenta un abanico de sutiles collage fotográficos con la moda como excusa.

vía thepetitebrunette

reglas estéticas

Casi podría decirse que entre las «Things« que encontramos en este apartado de la web de COS puede adivinarse un patrón, pero, puede que ya seamos una víctima más de la obsesión que ha creado [patternity]. Este estudio descubre patrones en cualquier lugar, desde lo mundano a lo «magnífico», innovando a partir de éstos hallazgos e implementándolos en colaboraciones como la que surgió con la marca ChintiandParker, que puedes ver y comprar aquí. Esta pasión por los patrones ofrece una visión transversal que escapa a una simple superposición de líneas o una evidente matriz de círculos para buscar algo más abstracto y encontrar una pauta de colores, composiciones, texturas, densidades, brillos, formas… En arquitecturas, cuerpos, situaciones, sombras, lugares, gestos… Despertando así una sensibilidad que, más allá de las normas escritas, dibujadas o planeadas, construye unas reglas puramente estéticas.

[vimeo vimeo.com/76129100]

fotografiar el tiempo

Hace tanto tiempo que he guardado esta reflexión en la recámara que la exposición sobre William Christenberry en la Fundación Mapfre ya no está. Puede que esta sea la mejor metáfora para describir una obra a base de instantáneas que se repiten en el tiempo hasta ver desaparecer su objetivo con el paso de aquel. Este paciente estadounidense captura periódicamente desde los años sesenta siluetas prototípicas llenas de texturas desvencijadas que se recortan sobre el paisaje como los carteles publicitarios se estampan en sus paredes de metal o madera. La observación lineal de como estas arquitecturas de colores planos y tectónicas casi obscenas, que obvian cualquier entorno, se ven mutiladas, ocupadas, abandonadas o incluso destruidas en cada retorno estival, constituye una dilatada reflexión sobre lo efímero, la permanencia de un recuerdo, la identidad de un lugar, la simbología de un mensaje, la generación de la forma, la adaptación de un espacio, la mutación de un lugar o esa belleza por el tiempo en el sur de Estados Unidos con la que titula  El Cultural la obra de William Christenberry.

el fotógrafo ignorado

Esta divertida entrevista a quien algunos han bautizado como el pionero de la fotografía en color (y salta a la vista que lo maneja como el pintor que es en sus ratos libres) descubre, por un lado, la web lens culture, que brinda, además de ésta, otras tantas entrevistas a reconocidos fotógrafos y un buen número de sus obras. Y por el otro, a este nonagenario observador de la realidad y paciente capturador de escenas callejeras.  Saul Leiter cree en esa cualidad de la fotografía para ayudarnos a ver ese mundo que hay alrededor, que puede, o no, llegar a ser fotografiado. Sus capturas tienen esa sensación de casualidad, de foto accidental, puede que porque, como confiesa, le divierten las malas impresiones, los accidentes en el cuarto oscuro. Como buen fotógrafo de escenas cotidianas coincide con otros grandes maestros en que, ser ignorado es un gran privilegio. Así aprendí a ver que los otros no ven y a reaccionar de manera diferente. Simplemente contemplaba el mundo sin esperar nada en concreto. Un personaje que reconoce entre risas la condición actual e inmediata de la fotografía digital y especialmente la que se captura desde un «iphone». Un hombre que, reconociendo haber pasado apuros para desarrollar su profesión, apostilla su intervención con una reflexión; la gente creativa, a veces, mira por encima del hombro a aquellos que ganan dinero como si ganar dinero fuera una debilidad imperdonable. 

[vimeo vimeo.com/36966880]

via afasiarq

vacíos de oportunidad

El título de esta serie de fotografías de Pablo García es tan evidente por la realidad que nos rodea a diario que resulta sugerente pensar un punto y seguido, un futuro recorrido por el devenir de tanto cierre. Así que esta entrada se inicia con una versión ambigua pero optimista del título que enunciaba el artículo original de la revista yorokubu, donde se describe el proceso que creó este paseo fotográfico por las puertas de locales clausurados, en venta o alquiler, ejemplos singulares de la ciudad de León, pero realidades exportables a cualquier otro lugar de la geografía nacional. Y sigue, a la vista de fructíferos y emergentes ejemplos madrileños, con la esperanza de revisitar esos mismos lugares cuando los vacíos se hayan reciclado, cuando nuevas historias y emprendedores negocios emerjan bajo los rótulos desvencijados de comercios de otra época. Es necesario repensar estos vacíos en clave de oportunidad, esa misma que ha servido de inspiración para el trabajo de este atento y polifacético fotógrafo cuya web que bien merece también una visita.

via yorokubu – el vacío que se expande

pictografías

Igual que hay imágenes que nos dejan fríos y matan la curiosidad por evidentes, hay otras tan abiertas y sugerentes que son capaces de despertar inquietudes, sensaciones, atmósferas, espacios y proyectos. Consciente de esto, Valerio Olgiati  desplegó en la pasada Bienal de Venecia una muestra titulada Pictrografías. Un conjunto de imágenes elegidas por una lista de conocidos arquitectos, daba pie a reflexionar sobre la delicada relación de inspiración e imaginación que existe entre las referencias visuales y las arquitecturas generadas. Las fotografías de la muestra se alejaban del objetivo y para muchos pasó desapercibida, pero descubrir el archivo fotográfico del propio arquitecto suizo a devuelto la mirada sobre aquella reflexión inducida. Una declaración arquitectónica de las proyecciones subconscientes.  Archivo fotográfico via  web valerio olgiati

via subtilitas